Le métier de chorégraphe est un art qui allie créativité, technique et leadership. Au cœur de la création artistique dans le domaine de la danse, le chorégraphe façonne des œuvres qui captivent, émeuvent et inspirent. Ce rôle exigeant requiert une maîtrise approfondie du mouvement, une vision artistique unique et une capacité à diriger des danseurs vers l'excellence. Dans un monde où l'expression corporelle prend une place de plus en plus importante, le chorégraphe joue un rôle crucial dans l'évolution de cet art ancestral.
Compétences essentielles du chorégraphe professionnel
Pour exceller dans le domaine de la chorégraphie, il est essentiel de développer un ensemble de compétences variées. La maîtrise technique de la danse est bien sûr fondamentale, mais elle ne suffit pas. Un chorégraphe doit également posséder une forte sensibilité artistique et une capacité à traduire des émotions et des concepts abstraits en mouvements concrets.
La créativité est au cœur du métier. Vous devez être capable de générer constamment de nouvelles idées, d'explorer des territoires inexplorés et de repousser les limites de votre art. Cette créativité s'appuie souvent sur une culture chorégraphique étendue , permettant de s'inspirer des grands maîtres tout en développant votre propre style.
Les compétences en communication et en leadership sont également cruciales. En tant que chorégraphe, vous devez être capable de transmettre clairement votre vision aux danseurs, de les guider et de les inspirer. Cela implique une excellente capacité d'écoute, de la patience et un sens aigu de la pédagogie.
Un bon chorégraphe doit être à la fois un visionnaire et un excellent communicateur, capable de transformer ses idées en mouvements et de les transmettre efficacement à ses danseurs.
La gestion de projet est une autre compétence indispensable. La création d'une œuvre chorégraphique implique souvent la coordination de nombreux éléments : musique, costumes, éclairages, scénographie. Vous devez donc être capable de gérer un budget, de respecter des délais et de collaborer avec différents professionnels du spectacle.
Enfin, une bonne connaissance des outils numériques devient de plus en plus importante dans le monde de la chorégraphie moderne. Des logiciels de notation du mouvement aux systèmes de captation 3D, la technologie offre de nouvelles possibilités créatives que les chorégraphes doivent savoir exploiter.
Parcours de formation pour devenir chorégraphe
Le chemin pour devenir chorégraphe professionnel peut prendre diverses formes, mais il commence généralement par une solide formation en danse. De nombreux chorégraphes ont d'abord été danseurs, acquérant ainsi une compréhension approfondie du mouvement et de l'expression corporelle.
Diplôme d'état de professeur de danse
Le Diplôme d'État de professeur de danse est une étape importante pour beaucoup de futurs chorégraphes. Cette formation, qui se déroule sur deux ans, permet d'acquérir des compétences pédagogiques essentielles et une compréhension approfondie de la technique de danse. Elle inclut également des modules sur l'histoire de la danse et la composition chorégraphique, offrant ainsi une base solide pour une carrière de chorégraphe.
Cursus universitaire en arts du spectacle
De nombreuses universités proposent des cursus en arts du spectacle ou en danse, qui peuvent être particulièrement bénéfiques pour les aspirants chorégraphes. Ces formations offrent une approche plus théorique et académique de la danse, couvrant des domaines tels que l'histoire de la danse, l'esthétique, la composition chorégraphique et la gestion de projet artistique. Un diplôme universitaire peut vous aider à développer une réflexion critique sur votre art et à élargir vos horizons créatifs.
Formations spécialisées : CNSMDP et CNSMD de lyon
Les Conservatoires Nationaux Supérieurs de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP) et de Lyon (CNSMD) sont des institutions prestigieuses qui offrent des formations d'excellence en danse et en chorégraphie. Ces écoles proposent des cursus intensifs qui combinent pratique de haut niveau et enseignements théoriques approfondis. La formation au CNSMDP ou au CNSMD de Lyon est particulièrement reconnue dans le milieu professionnel et peut ouvrir de nombreuses portes aux futurs chorégraphes.
Stages et masterclasses avec des chorégraphes renommés
Compléter sa formation par des stages et des masterclasses est essentiel pour affiner ses compétences et s'exposer à différentes approches chorégraphiques. Ces expériences permettent de travailler directement avec des chorégraphes établis, d'observer leurs méthodes de travail et de bénéficier de leurs conseils. C'est aussi l'occasion de se créer un réseau professionnel, crucial dans le monde de la danse.
Il est important de noter que la formation d'un chorégraphe ne s'arrête jamais vraiment. L'apprentissage continu, l'exploration de nouvelles techniques et l'ouverture à d'autres formes d'art sont essentiels pour nourrir votre créativité et faire évoluer votre pratique.
Techniques de création chorégraphique
La création chorégraphique est un processus complexe qui fait appel à diverses techniques et méthodologies. Les chorégraphes développent souvent leur propre approche au fil du temps, mais il existe plusieurs techniques établies qui peuvent servir de point de départ ou d'inspiration.
Méthode laban d'analyse du mouvement
La méthode Laban, développée par Rudolf Laban, est un système d'analyse et de notation du mouvement largement utilisé en danse et en chorégraphie. Cette approche décompose le mouvement en quatre éléments principaux : le corps, l'effort, la forme et l'espace. En utilisant cette méthode, vous pouvez analyser et décrire le mouvement de manière précise, ce qui peut être particulièrement utile lors de la création et de la transmission d'une chorégraphie.
L'utilisation de la méthode Laban permet de créer des séquences de mouvements riches et variées, en jouant sur les différents aspects du mouvement. Par exemple, vous pouvez explorer comment un même geste peut être transformé en modifiant son effort (léger ou fort, direct ou indirect) ou sa forme (s'étendre ou se rétracter).
Improvisation structurée de william forsythe
William Forsythe, chorégraphe américain renommé, a développé une approche de l'improvisation structurée qui a révolutionné la création chorégraphique contemporaine. Cette technique repose sur l'idée de donner aux danseurs des tâches ou des règles spécifiques plutôt que des mouvements précis à exécuter.
Par exemple, vous pourriez demander aux danseurs d'imaginer des points dans l'espace et de créer des mouvements pour connecter ces points. Ou encore, vous pourriez leur donner une série de verbes d'action (tordre, étirer, fondre) à interpréter physiquement. Cette approche permet de générer du matériel chorégraphique original et personnalisé pour chaque danseur.
Composition instantanée de merce cunningham
Merce Cunningham, figure emblématique de la danse moderne, a développé une approche unique de la composition chorégraphique basée sur le hasard et l'aléatoire. Sa technique de composition instantanée consiste à créer des séquences de mouvements indépendamment de la musique, puis à les assembler au moment de la performance.
Cette approche peut être particulièrement stimulante pour la créativité, car elle vous oblige à sortir des schémas habituels et à explorer de nouvelles possibilités de mouvement. Elle peut également créer des juxtapositions intéressantes entre la danse et la musique qui n'auraient pas été possibles avec une approche plus traditionnelle.
La composition instantanée nous rappelle que la chorégraphie n'est pas seulement une question de planification, mais aussi d'ouverture à l'imprévu et à la spontanéité du moment présent.
Outils numériques pour la chorégraphie
L'ère numérique a apporté de nouveaux outils aux chorégraphes, offrant des possibilités inédites pour la création, la notation et l'analyse du mouvement. Ces technologies peuvent enrichir considérablement le processus créatif et ouvrir de nouvelles voies d'exploration chorégraphique.
Logiciels de notation du mouvement : LabanWriter
LabanWriter est un logiciel basé sur la notation Laban, un système de notation du mouvement largement utilisé dans le monde de la danse. Ce logiciel permet de transcrire des chorégraphies de manière précise et détaillée, facilitant ainsi leur préservation et leur transmission. Pour un chorégraphe, c'est un outil précieux pour documenter son travail et communiquer ses intentions de manière claire et standardisée.
L'utilisation de LabanWriter nécessite une bonne compréhension de la notation Laban, mais une fois maîtrisé, il devient un outil puissant pour analyser et développer des séquences de mouvements complexes. Vous pouvez l'utiliser pour expérimenter avec différentes variations d'une séquence ou pour visualiser comment un mouvement se déroule dans le temps et l'espace.
Captation 3D : système de motion capture vicon
Les systèmes de captation de mouvement comme Vicon offrent de nouvelles possibilités pour l'analyse et la création chorégraphique. Ces technologies permettent de capturer les mouvements des danseurs en trois dimensions avec une grande précision. Les données récoltées peuvent ensuite être visualisées, analysées et même manipulées numériquement.
En tant que chorégraphe, vous pouvez utiliser ces outils pour étudier le mouvement sous des angles inédits, expérimenter avec des transformations impossibles dans le monde physique, ou même créer des duos entre un danseur réel et un avatar numérique. La captation 3D ouvre également des possibilités intéressantes pour la création de spectacles mêlant danse live et projections numériques.
Création assistée par ordinateur : DanceForms
DanceForms est un logiciel de création chorégraphique assistée par ordinateur. Il permet de créer et d'animer des figures en 3D, offrant ainsi la possibilité de visualiser et d'expérimenter des séquences de mouvements sans avoir besoin de danseurs physiques. C'est un outil particulièrement utile dans les phases initiales de création, lorsque vous cherchez à explorer différentes idées ou à planifier des formations complexes.
Avec DanceForms, vous pouvez créer des séquences, les visionner sous différents angles, et même générer des partitions de mouvements. Cela peut être particulièrement utile pour planifier des chorégraphies de groupe complexes ou pour expérimenter avec des mouvements physiquement difficiles ou dangereux.
Il est important de noter que ces outils numériques ne remplacent pas la créativité et l'expertise du chorégraphe, mais ils peuvent considérablement enrichir le processus créatif et ouvrir de nouvelles possibilités d'expression.
Débouchés et perspectives de carrière
Le métier de chorégraphe offre une variété de débouchés et de perspectives de carrière, bien que le secteur soit souvent compétitif. La clé du succès réside souvent dans la capacité à diversifier ses activités et à s'adapter aux différentes opportunités qui se présentent.
Chorégraphe indépendant et compagnies de danse
Beaucoup de chorégraphes choisissent de travailler de manière indépendante, créant leurs propres projets et collaborant avec différentes compagnies de danse. Cette voie offre une grande liberté créative, mais nécessite également une solide capacité à gérer tous les aspects d'un projet, de la conception artistique à la recherche de financements.
Certains chorégraphes parviennent à créer leur propre compagnie de danse, ce qui leur permet de développer un travail à long terme avec un groupe de danseurs. Cela implique cependant des responsabilités supplémentaires en termes de gestion et de recherche de fonds.
Direction artistique de ballets et centres chorégraphiques
Les chorégraphes expérimentés et reconnus peuvent aspirer à des postes de direction artistique dans des ballets établis ou des centres chorégraphiques nationaux. Ces postes offrent la possibilité de façonner la vision artistique d'une institution et de travailler avec des ressources plus importantes. Ils impliquent généralement une combinaison de création chorégraphique, de programmation et de gestion administrative.
Chorégraphie pour le cinéma et la télévision
Le cinéma, la télévision et l'industrie de la publicité offrent également des opportunités intéressantes pour les chorégraphes. Ces médias présentent des défis uniques, comme l'adaptation à l'espace limité du cadre de la caméra, mais peuvent aussi offrir une exposition plus large et des budgets plus importants.
La chorégraphie pour les comédies musicales, que ce soit au théâtre ou au cinéma, est un domaine particulièrement dynamique qui requiert une capacité à intégrer la danse dans une narration plus large.
Enseignement en conservatoire et écoles supérieures
De nombreux chorégraphes choisissent de combiner leur pratique créative avec l'enseignement. Les postes dans les conservatoires et les écoles supérieures de danse permettent de transmettre son expertise tout en gardant un pied dans le monde professionnel de la danse. L'enseignement peut également être une source stable de revenus, complémentaire à une carrière de création plus irrégulière.
Quelle que soit la voie choisie, une carrière réussie en tant que chorégraphe nécessite généralement une combinaison de talent artistique, de compétences techniques, de réseautage efficace et de persévérance face aux défis du secteur.
Aspects juridiques et gestion de carrière
Droits d'auteur et propriété intellectuelle des œuvres chorégraphiques
En tant que chorégraphe, il est crucial de comprendre les aspects juridiques liés à votre travail créatif. Les œuvres chorégraphiques sont protégées par le droit d'auteur, ce qui vous confère des droits exclusifs sur votre création. Cela inclut le droit de reproduire, de représenter et d'adapter votre œuvre.
La protection du droit d'auteur s'applique dès la création de l'œuvre, sans nécessité d'enregistrement formel. Cependant, il est recommandé de documenter votre processus créatif et de dater vos œuvres pour faciliter toute preuve d'antériorité en cas de litige. Vous pouvez également envisager de déposer votre chorégraphie auprès d'organismes spécialisés comme la SACD (Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques) en France.
Protéger vos droits d'auteur n'est pas seulement une question juridique, c'est aussi une manière de valoriser votre travail créatif et d'assurer une rémunération équitable pour votre art.
Il est important de noter que la protection du droit d'auteur s'étend au-delà de la simple séquence de mouvements. Elle englobe également les éléments distinctifs de votre chorégraphie, tels que la mise en scène, les costumes et la scénographie, lorsqu'ils font partie intégrante de votre création.
Statut d'intermittent du spectacle
En France, de nombreux chorégraphes bénéficient du statut d'intermittent du spectacle. Ce régime spécifique d'assurance chômage est conçu pour prendre en compte la nature irrégulière du travail dans le secteur du spectacle vivant. Pour en bénéficier, vous devez justifier d'un certain nombre d'heures travaillées sur une période donnée.
Le statut d'intermittent offre une certaine sécurité financière entre les contrats, permettant ainsi aux chorégraphes de continuer à développer leurs projets artistiques pendant les périodes sans emploi. Cependant, il est important de bien comprendre les règles et les obligations liées à ce statut pour en bénéficier pleinement.
Voici les principaux critères pour accéder au statut d'intermittent du spectacle en tant que chorégraphe :
- Justifier de 507 heures de travail sur 12 mois
- Ces heures doivent être effectuées dans le cadre de contrats à durée déterminée
- Les activités prises en compte incluent la création, la répétition et la représentation
Il est crucial de bien tenir à jour vos attestations d'emploi et de veiller à ce que vos employeurs déclarent correctement vos heures travaillées. Une bonne gestion administrative de votre activité est essentielle pour maintenir ce statut.
Subventions et aides à la création chorégraphique
Le financement est souvent un défi majeur pour les chorégraphes. Heureusement, il existe diverses subventions et aides à la création chorégraphique qui peuvent vous aider à concrétiser vos projets. Ces aides peuvent provenir d'organismes publics, de fondations privées ou d'organisations culturelles.
En France, le Centre National de la Danse (CND) offre plusieurs dispositifs de soutien aux chorégraphes, notamment :
- L'aide à la recherche et au patrimoine en danse
- L'aide à la création chorégraphique
- Le prêt de studios pour la création et la recherche
D'autres sources de financement incluent les DRAC (Directions Régionales des Affaires Culturelles), qui proposent des aides à la création au niveau régional, et l'ADAMI (Société civile pour l'Administration des Droits des Artistes et Musiciens Interprètes), qui soutient des projets artistiques innovants.
Pour maximiser vos chances d'obtenir ces aides, il est essentiel de présenter des dossiers de candidature solides et bien structurés. Cela implique de développer une vision artistique claire, d'établir un budget détaillé et réaliste, et de démontrer la faisabilité et l'intérêt de votre projet.
Rechercher des financements fait partie intégrante du métier de chorégraphe. C'est l'occasion de clarifier votre vision artistique et de la communiquer de manière convaincante.
N'oubliez pas que ces aides sont souvent très compétitives. Il est donc important de diversifier vos sources de financement et d'explorer des options alternatives comme le crowdfunding ou les partenariats avec des entreprises privées.
En conclusion, la gestion de carrière d'un chorégraphe implique une compréhension approfondie des aspects juridiques, une maîtrise du statut d'intermittent du spectacle, et une capacité à naviguer dans le monde complexe des subventions et des aides à la création. Ces compétences, bien que moins visibles que le travail créatif lui-même, sont essentielles pour construire une carrière durable et épanouissante dans le monde de la danse contemporaine.